長回しが捉えるもの
Q：キュレーターの楢崎（池畑慎之介）に作品を見せる京セラ美術館のシーンや、広島の橋でのシーンなど、『一月の声に歓びを刻め』や短編の『IMPERIAL大阪堂島出入橋』（22）と同じ空気を感じるショットがありました。意識されているものはありましたか。
三島：ある緊張感の中で、役者さんの感情を途切れることなく見せたいということや、空間の構造の中で人間を捉えたいという好みがより濃くなったのかもしれません。京セラ美術館でのカフェのシーンは、ガラス張りの手前で起こっていることと奥で起こっていることの二重構造になっています。手前では神名が楢崎さんに厳しい批評を言われていて、彼女にとっては非日常な時間が流れている。一方でガラスの奥は、美術館に来た方たちの日常が流れている。ガラス1枚隔てて、手前と奥で違う時間が流れていることが構造としてすごく好きなんです。それを撮れるなと思ったので、「どうしてもここで撮らせてほしい」とみんなに相談した覚えがあります。
Q：建物や道、空間や場所の構造を生かした人物動線とカメラワークが駆使されていました。それを意識した上で撮影場所を決めていくのでしょうか。
三島：そうですね。自分の場合、素敵な役者さんとご一緒できる機会をいただいているので、もはやロケ場所が一番重要だと思っています。ロケ場所を決めれば人間の動線が見えてくる。むしろ、人間の動線がいつまで経っても見えない時はその場所は選びません。ロケ場所に行ってしばらく見ていると、「このタイミングでこういう気持ちになって、こう動くだろうな」とだんだん分かってくる。結果的に建物の構造が生かされた形になって、動きがつけられていくんです。ロケ場所を決める時に同時になんとなくの動きを決めていく感じですね。それを撮影の大塚亮さんと話しながら、「じゃあワンカットで行きますか、割りますか」みたいな話も含めて、ふんわりとロケハンしていました。
Q：完全にワンシーンワンカットではないものの、長回しで捉えているショットが多い印象がありました。現場でもあまりカットは割らずに撮影されているのでしょうか。
三島：「ワンカットの長回しで行くことになるだろうな」と思ったところはワンカットになっていますね。例えば商店街のシーンだったら、橋を渡ってきた2人をそのまま商店街まで追いかけて、2人が前に行ったり後ろに行ったりしているのを、どっちを押さえるか決めていく。また、2人の手が触れそうで触れない距離だったので、長回しに加えて手のカットを撮ろうという話をしたり。そんな感じでいつも決めています。
『男ともだち』©2026『男ともだち』製作委員会
Q：役者さんとしては、何度もカットを割って撮影するよりも、ワンカットの方がやりやすいのでしょうか。
三島：それは人によるかもしれませんが、私はどちらかというと、2人の掛け合いの間合いや距離感の移動、感情のやり取りを一連で大事に撮りたい。そういう意味では、割らない方がそれが如実に見える。感情を発露するシーンなどは、何回もやるのは役者さんに負荷がかかるし、やっぱりお芝居は生もの。プロだから毎回同じことをやるという話かもしれませんが、やっぱり化学反応でもあり、突発的に変化していくもの。それを確実に捉えたいという意味でも、だんだん長回しになっていっている感じです。
Q：長回しの多い撮影で、手持ちカメラでシネスコは取り回しが難しそうですが、そこへのこだわりについて教えてください。
三島：シネスコで撮ることは多いのですが、特に今回はシネスコがとても大事だと思いました。それは2人の距離感の変化をワンカットのフレームの中で見せたかったから。なおかつ2人の向きですね。基本的にハセオは同じ方向を向いていて、それが近づくか離れるかなんですよ。そうなった時にこの2人の距離感を表すのに、シネスコは横に長いので幅が広がるわけです。並んだ二人の距離感を表すのにとても適していると感じます。それと、ファーストカットを横移動で入りたかったからです。彼女がどこに向かっていき、真っ白なキャンバスに何を描いていくのかという始まり方にしたかったので、横移動の教科書とも言われる『戦場にかける橋』（57）のように─あれはシネスコで戦争の兵隊たちを捉えていくのですが─シネスコだなと思いました。橋を切り取る時にも、シネスコサイズの方が「どこからどこまで、どことどこを繋いでいる橋である」というのを描きやすい。その意味合いをどうショットに込めていくか、それを自分が考えやすいからかもしれません。
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